Numéro 6 : Décembre 2006 / Janvier 2007
§6. ThéÂtre
Un Mari Idéal d’Oscar Wilde
Adaptation, Pascale Bouillon
Mise en scène : Pascale Bouillon assistée de Caroline Massé
Avec : Tigrane Aoust, Pascale Bouillon,
Michel Falicon, Pascal Guignard
Olivier Guilbert, Dina Kremsdorf, Garance Li, Caroline Massé,
Christophe
Pécoul, Patrick Rouzaud.
Du 21 au 25 novembre 2006
THEATRE
DE LA JONQUIÈRE – 88, rue de la Jonquière – 75017 –
Paris
Métro Guy Môquet
ou Porte de Clichy
Une jeune troupe sans grande expérience, dont le jeu, faible au premier
acte, laisse craindre le pire, mais qui s’affirme par la suite et réussit à
rendre le spectacle agréable. Les hommes (en particulier les deux comédiens
interprétant Robert Chiltern – ici rebaptisé William
– et Lord Goring) tirent mieux leur épingle du jeu que les femmes qui, pour la
plupart, s’obstinent à murmurer leur texte, nous privant ainsi de la moitié du
plaisir. Nous avons assisté à la première représentation et le spectacle avait
sans doute besoin d’être rôdé et de trouver son rythme.
Salomé d’Oscar Wilde
Mise en scène : Charles Di Meglio
Moulage et sculpture
en plâtre d’Odile Le Berre.
Costumes de Patrick Cavalié.
Par la compagnie Oghma
Avec Mathieu
Huot (Hérode
Antipas), Patrice Riera (Iokanaan), Céline
Clergé (Hérodias), Antoine Bibiloni (Narraboth), Aurélien Saget (Un Cappadocien), Didier Laval (premier
soldat), Laurène Cheilan
(Salomé), Mathieu Barbet (le page d’Hérodias), Jean-Antoine Marciel
(Le deuxième soldat), Alexandre Maublanc (un
esclave), Abel Llavall Ubach
(Tigellin),
Stanislas Briche, Pierre Derégnaucourt, Selami Varlik (les Juifs,
Nazaréens, Sadducéens et Pharisiens).
du 28 novembre au
tous les jours à
Théâtre Les Enfants Terribles
157
rue Pelleport, Paris 20e (M° Télégraphe).
Réservations au
Crédit
photo : Antoine Martin Charles
Di Meglio (photo : Antoine Martin)
Le décor est assez sommaire, d’une part parce que le budget est limité pour favoriser la qualité des costumes, et d’autre part parce que la pièce en elle-même ne nécessite pas spécialement de décors, même si Wilde demande des splendeurs de carton-pâte irréalisables... Nous avons fait le pari d’avoir un plateau nu, en boîte noire : la terrasse du palais, et, en fond de scène, un banquet séparé du reste par une grande tenture jaune au travers de laquelle on peut distinguer des formes, des silhouettes. Les costumes, eux, sont dignes de la cour du roi Hérode ! Cela dit, pour les quinze personnes, nous - le costumier Patrick Cavalié et moi - avons plus essayé de créer avec les costumes une certaine atmosphère qui selon moi se dégage de la pièce, qu’évoquer l’époque d’Hérode. C’est un mélange de costumes fastueux à la Sarah Bernhardt, d’orientalisme, de bijoux fabuleux (et véritables !), mais aussi avec des éléments de la Renaissance et des objets tribaux, païens. Nous voulions qu’ils soient chargés de quelque chose de mystique, de mystérieux, d’une sacralité archaïque, mais qu’ils puissent aussi transmettre au moins une part de la puissance érotique de chacun des acteurs, acteurs qui sont par ailleurs constamment présents sur scène, même quand le public entre dans la salle, un peu comme si l’on entrait pendant une cérémonie religieuse ; un peu comme si la pièce avait déjà commencé avant l’arrivée du public.
Interview
de Charles di Meglio
par Antoine Martin, webzine Discordance
Avis critique
Par Danielle Guérin
(avec l’aimable participation d’Emmanuel Vernadakis)
Salomé, d’Oscar WILDE
Par la Compagnie OGHMA
Mise en scène Charles Di Meglio
Avec : Mathieu Huot (Hérode Antipas,
tétrarque de Judée), Patrice Riera (Iokanaan, le prophète), Antoine Bibiloni
(Narraboth, le jeune syrien), Aurélien Saget (un Cappadocien), Didier Laval (premier soldat),
Jean-Antoine Marciel (deuxième soldat), Mathieu
Barbet (le page d’Hérodias), Karl von Besten, Stanislas Briche, Pierre Derégnaucourt
(les Juifs, Nazaréens, Sadducéens et Pharisiens), Alexandre Mau blanc (un esclave), Céline Clergé
(Hérodias, femme du Tétrarque), Laurène Cheilan
(Salomé)
Théatre des
Enfants Terribles -
Dans sa majeure
partie, le grand public ne connaît Salomé qu’à travers l’opéra de Richard
Strauss, l’œuvre de Wilde se trouvant pour ainsi dire oblitérée en même temps
que sublimée par la musique. La pièce écrite par Wilde en français, au moment
où il séjournait à Paris en 1891, et revue par Louÿs, Retté,
Schwob et Merrill (dont il ne garda finalement qu’un
petit nombre de corrections) n’est souvent jouée dans sa version originale que
par de jeunes troupes et dans de petits théâtres. C’est ici le cas avec la
compagnie Oghma, dirigée par Charles Di Meglio, qui nous offre au Théâtre des Enfants Terribles une
version fidèle et intégrale de la pièce Wildienne. La
moyenne d’âge des acteurs ne doit guère dépasser 25 ans, et c’est donc une
représentation très fraîche, presque candide, qui nous est présentée ici.
D’aucuns pourraient faire la fine bouche devant cette spontanéité juvénile qui
enlève un peu de cruauté à la noirceur décadente de l’intrigue, à sa violence
sous-jacente. N’oublions pas cependant
que, dans la pièce de Wilde, Salomé est en effet une toute jeune fille, une
vierge à l’hérédité lourde, que la passion amoureuse conduit au meurtre et à sa
propre mort. Pâle et belle comme « une petite fleur blanche »,
Laurène Cheilan incarne cette Salomé qui s’identifie
à la lune sans cesse évoquée dans une incantation récurrente et magique.
Regardez la lune.
La lune a l’air très étrange. On dirait une femme qui sort d’un tombeau. Elle
ressemble à une femme morte. On dirait qu’elle cherche des morts […] Elle a
l’air très étrange. Elle ressemble à une petite princesse qui porte un voile
jaune, et a des pieds d’argent. Elle ressemble à une princesse qui a des pieds
comme des petites colombes blanches… On dirait qu’elle danse ».
Et en effet,
petite princesse au voile jaune, Salomé va danser. Telle une flamme aux pieds
d’almée, elle dansera devant les yeux d’Hérodias (Céline Clergé), une mère Ubu
effrayante et grotesque qui allège l’atmosphère sombre de la pièce pour mieux
en préparer la chute tragique. Elle dansera surtout sous le regard concupiscent
du roi Hérode, son beau-père « incestueux ». Danse sauvage, rituelle,
incantatoire, cérémonie barbare, conjurant le mauvais sort ou au contraire
appelant la malédiction, qui se transforme soudain en une chorégraphie
ondoyante, lascive et voluptueuse qui jette Salomé à terre, aux pieds du roi
énamouré, comme un oiseau blessé abattu en plein vol. Blonde et pâle, Laurène Cheilan brûle et glace à la fois dans sa fragilité
inflexible. Quand elle entreprend de séduire Iokanaan
(Patrice Riera), qu’elle le frôle et l’envoûte, on le
sent révulsé, bien sûr, mais aussi attiré à son corps-défendant par la
lancinante litanie d’amour et de désir.
Iokanaan, je suis amoureuse de ton corps. Ton corps est blanc comme le lys d’un pré
que le faucheur n’a jamais fauché […] les roses du jardin de la reine d’Arabie
ne sont pas aussi blanches que ton corps […] Tes cheveux ressemblent à des grappes
de raisins […] Ta bouche est comme une bande d’écarlate sur une tour d’ivoire.
Hantée par la musique du Cantique des Cantiques, la déclaration de Salomé
est hypnotique, fascinante et dangereuse. Imperceptiblement, Iohanaan oscille vers cette magnifique jeune fille vêtue
d’une robe pourpre à la Rubens, qui lui offre sa passion indécente, impossible.
C’est justement parce qu’il est pur et inaccessible, comme elle-même, qu’elle
le désire si fort, elle, qui rejette les avances des hommes et des rois, elle qu’aucun
homme n’a jamais souillée Il suffirait d’un infime moment d’humaine faiblesse
pour que leurs lèvres se touchent. Mais il faut que la prophétie s’accomplisse
et Iokanaan, le prisonnier de la citerne, le saint,
l’annonciateur sacré de la venue du Messie ne peut que la maudire en la
repoussant violemment:
Soyez maudite, fille d’une mère incestueuse, soyez
maudite.
Eh bien, elle
dansera donc, la petite princesse dédaignée, insultée, puisque le roi Hérode a promis de lui donner
tout ce qu’elle désirerait, et que la tête de Iokanaan
sera son prix. Mathieu Huot confère au tétrarque de
Judée une personnalité originale et complètement décalée. Couronné de
guirlandes de roses comme un personnage des toiles d’Archimboldo,
le visage fardé de blanc, les yeux cerclés de rouge, enveloppé dans un
manteau aux larges manches violettes dont il se drape
comme d’une protection dérisoire, il semble porté par une folie douce qui le
rend inquiétant et pathétique. Jamais il n’éructe, ni ne s’emporte, tâchant de
se gagner les bonnes grâces de Salomé d’une voix pateline, parfois presque
tendre et suppliante. Pantin gémissant, velléitaire, Martin Huot
infuse à son personnage une certaine dose de cocasserie grotesque, qui n’en met
que plus en valeur l’aspect sombrement tragique. Dépassé par les évènements,
Hérode est le jouet d’une fatalité à laquelle il ne peut échapper, et qui
réussirait par éclairs à devenir presque touchant si on ne connaissait son
passé de tyran sanguinaire. Quand cette sentence terrible, à peine murmurée,
s’échappe de ses lèvres à la fin de pièce : « Tuez cette
femme », ce n’est pas dans sa bouche une condamnation soufflée par la
haine ou la vengeance, c’est le soupir désabusé d’un homme égaré qui ne sait
plus où il en est, d’un homme lassé, qui se résigne et baisse les bras devant un destin trop
inexorable pour lui. Parce qu’il est arrivé à un point de non retour et
qu’il a entendu un battement d’ailes
gigantesque envahir son palais. Parce qu’il a glissé dans le sang, et que tout
lui échappe. Parce que la peur habite désormais chez lui avec la mort, sa
fidèle compagne.
Entouré par une
troupe sympathique, avec un décor minimal mais cependant évocateur, Charles di Meglio nous offre pour sa première mise-en-scène
professionnelle, un spectacle coloré, d’inspiration orientale, esthétiquement
beau et plein d’élan, qui mérite nos
encouragements pour un avenir que nous lui souhaitons particulièrement fertile.
Danielle Guérin
L’Eventail de Lady
Windermere
D’Oscar Wilde
Après le succès remporté au Théâtre 14, L’Eventail de Lady Windermere, mis en
scène par Sébastien Azzopardi, avec Geneviève Casile dans le rôle de Mrs Erlynnne,
sera repris dès le 16 janvier au Théâtre des Bouffes Parisiens.
The Importance Of Being Earnest d’Oscar
Wilde
Adaptation Andrew Loudon et
Emma Reeves
mise en
scène : Lucile O’Flanagan
Assistants au metteur-en-scène : Karina Rinaldi et
Tiphaine Lievois
Décor : Andrea Bujdoso
Son : Jacques Cassard
Video : Chris Mack
avec : Ginnie
Watson (Gwendolen), Elisabeth Ingham
(Cecily), Sophie Nahmias (Lady Bracknell), Michael Rickwood (John (Jack) Worthing ), Barnaby Apps
(Algernon)
Théâtre en anglais, sans surtitrage.
Du 30 janvier au 10 février 2007
Théâtre Sylvia Montfort – 106, rue Brancion – 75015 Paris
Et
Les
13 et 14 Novembre à Lille (Théâtre Sébastopol), le 20 novembre à Nevers (Le
Petit Théâtre – Maison de la Culture) – le 21 novembre à Orléans (Espace
Florian) – le 22 novembre à Blois (Centre Quinière) –
le 23 novembre à Bourges (Théâtre Jacques Cœur), le 24 novembre à Belley (L’intégral),
les 27 et 28 novembre
2006 à Lyon (Salle Rameau), le 29 novembre à Dijon (Théâtre de
la Fontaine d’Ouche), le 1er décembre à Clermont-Ferrand (L’Opéra),
les 4, 5 et 6 décembre à Toulouse (L’altigone), le 7
décembre à Perpignan (Théâtre Municipal), le 11 décembre à Pau (Théâtre
Saint-Louis), le 12 décembre à Orthez (Théâtre Francis Plante), le 14 décembre
à Béziers (Théâtre des Franciscains), le 18 décembre à Grenoble (Théâtre le
Prisme), le 20 décembre à Valence (Théâtre Le Rhône), le 21 décembre à Marseille
(théâtre Giptis), le 8 janvier à Mulhouse (Théâtre de
la Sinne), le 9 janvier à Saverne (Espace Rohan), le
10 janvier à Stasbourg (Centre Culturel de Neudorf), le 11 janvier à Selestat
(les Tanzmatten), le 12 janvier à Nancy (Centre
culturel), le 15 janvier à Chauny (Le Forum), le 16 janvier à
Saint-Germain-en-Laye (Théâtre Alexandre Dumas), le 18 janvier à Langres
(Théâtre Municipal), le 22 janvier à Bordeaux (théâtre Le Pergola), le 26
janvier à Périgueux (Théâtre le Palace).
« Dans cette pièce le défi
est de faire ressentir au public Français le même étonnement que celui ressenti
par le public de Wilde lors de la sortie de la pièce. Une comédie légère en
surface qui cache une moquerie subtile et amusée des valeurs bourgeoises qui
ont soutenu la société anglaise de la fin du XIXe siècle. Ces valeurs et
préjugés existent-t-ils toujours aujourd’hui ? D’une certaine façon, je crois
que oui. Le statut social, la course après l’argent et le besoin de trouver un
partenaire en accord avec sa culture sont des thèmes toujours d’actualité pour
notre jeunesse même s’ils sont traités de façon moins contemporaine dans la
merveilleuse comédie de mœurs d’Oscar Wilde […] J’ai donné à Andrea
(Scénographe) comme point de départ, une lampe Tiffany ainsi que mes pensées
personnelles sur Oscar lui-même. C’était un homme coloré, au génie flamboyant,
qui a fait sensation avec ses écharpes, chapeaux et cannes. Longtemps avant
qu’il ne soit diffamé pour sa sexualité, il était célèbre pour son style. Il
parlait de lui-même comme d’une œuvre d’art. Pour apporter au décor une
'bouffée’ d’Oscar Wilde nous avons décidé d’utiliser des motifs surdimensionnés
et de stimuler l’audience avec des sons, des couleurs et même des odeurs !
Nous n’avons pas pris de
liberté avec le texte, mais nous avons réduit la pièce à une version de 90
minutes. Ce travail a été effectué par notre fantastique équipe d’écrivains
britanniques : Andrew Loudon et Emma Reeves dont les
adaptations théâtrales connaissent un grand succès au Royaume-Uni. De plus j’ai
décidé de changer le sexe d’un des personnages : Lane
le serviteur d’Algernon est maintenant une femme – ce
qui lui confère un rôle comique supplémentaire. Emma (écrivain) et moi-même
pensons qu’Oscar aurait approuvé. Le travestissement est un des thèmes de notre
version, nous utilisons Barnaby Apps (qui joue Algernon) pour le rôle de Miss Prism
et Ginnie Watson (qui joue le rôle de la belle Gwendolen) pour celui du révérend Chasuble. L’amour secret
qui existe entre le vieux révérend Chasuble, curé de campagne, et la sévère
gouvernante Miss Prism (la troisième histoire d’amour
de la pièce) sera alors mis en valeur de façon pantomimique, Oscar aurait
adoré. »
Lucille O'Flanagan (metteur en
scène) Mai 2006
Photos : Philippe Guérillot
Le
Fantôme de Canterville, d’Oscar Wilde
De et avec Véronique Daudelin,
Jean-François Hamel,
Olivier Normand et Klervi Thienpont
Le Théâtre des 4 coins
D’ici au
1er décembre
: Baie-Comeau
5-6 décembre : Matane
7-8 décembre : Lévis
9 et 11 décembre : Montmagny
12 décembre : Lévis
The Importance Of Being Earnest
d’Oscar Wilde
Mise en scène : Alain Bariou et Hélène Blasco
Présenté par le groupe de
théâtre de la section britannique du Lycée Grand Air de la Baule.
Avec Chloe Bradbury,
Lucie Charles, Alix Nenert , Lisa
Martinez, Clement Bollecker, William Blasco ,Olivier Blasco, Pierre Bariou, Richard Sheard
Version anglaise
Les vendredi 1er et samedi 2 décembre 2006
Maison des jeunes et de la culture- Place des
Salines – 44500 La
Baule
Sarah, de John
Murrell
Adaptation Française d’Eric-Emmanuel Schmitt
Mise en scène et décor : Xavier Marduel
Costumes : Denis Charlemagne
Régie : Mylène Vantal
Avec Marie-Françoise Savary (Sarah Bernhardt) et
Jean-Yves Lenoir (Georges Pitou)
Les 13, 19, 20, 27 janvier 2007
2 et 3
février 2007
Théâtre Le Valet de Cœur – 8, rue Antoine d’Auvergne – Clermont-Ferrand
Cette pièce a été donnée au Festival de Belle-Ile-en-Mer
– Villa Lysiane Bernhardt – du 13 au 17 août 2006
Jean-Yves Lenoir et Marie-Françoise Savary
Georges Pitou
et Sarah Bernhardt
Délivrez Proust
D’après Marcel Proust
De Philippe Honoré
Mise en scène Philippe Person
Avec Anne Priol et Pascal Thoreau
Lumières : Alexandre Dujardin – Décor Vincent Blot – Bande
son : Guy Senaux
Déclinaison loufoque et
sentimentale autour de Marcel Proust.
« Pourquoi vouloir toujours séparer le drôle et le sérieux, le rire
et l’émotion ? Délivrez Proust
nous entraîne dans un tourbillon ludique et bouleversant. Pascal Thoreau, dandy
fragile et persifleur, Anne Priol, mondaine et
sensible, distillent les bons mots, rendant familier et intense l’univers de
Marcel Proust, au-delà de son œuvre. »
du 14 novembre 2006
au 14
janvier 2007
Théâtre du Lucernaire - 53
rue Notre-Dame-des-Champs, 75006
Paris - Renseignements : 01.45.44.57.34
Et, jusqu’au 28 janvier 2007 …
L’Importance d’être Constant
avec Loránt Deutsch, Fréderic Diefenthal,
Macha Merill, Gwendoline Hamon, Julie Baup, Yves Gasc, Claire Magnin, Patrick Delage.
Théâtre Antoine -
Paris
Photos © Gilles Bureau
Post-Stage
Le Centre
Culturel Robert Desnos de Ris-Orangis a donné une représentation de Salomé par la Compagnie Seraph, le 15 Octobre dernier. Avec Anne-Dominique Boulle (Hérode) – Benoîte
Vandesmet (Herodias) –
Olivia Luciani (Salomé) – Laeticia
Luciani, Anne-Laure Luciani
Hiroko – Yuko Masuki Moka, Sayori Okada, (les succubes),
Joël Delsaut (Iokanaan)
Lou Ferreira a assisté à ce spectacle et nous en fait la critique :
« Salomé est belle. Indéniablement. Son port de tête, son regard noir
volontaire et sa voix assoient définitivement le personnage. Elle s’adresse à Yokaanan avec autorité et pourtant elle conserve toute sa
puissance sensuelle que le spectateur va croire et admirer. Le choix de Salomé
est une réussite, la comédienne devient sous nos yeux la jeune femme cruelle et
capricieuse que Wilde se plaisait à imaginer sous les traits de Sarah Bernhardt
et on ne s’ennuie jamais quand elle supplie le prophète de lui donner sa
bouche.
Le décor est minimaliste mais sept voiles de différentes couleurs
ingénieusement entrecroisés nous laissent rêveurs ; Salomé sera envoûtante
lorsqu’elle dansera.
Elle l’a été. Sa gestuelle n’était pas saccadée, le rythme était soutenu et
la musique orientale nous invitait tous à suivre sa démarche féline et
rejoindre quelques instants les danseuses japonaises aussi fines et dénudées
que Salomé. Mais justement, les succubes nés de l’imagination du metteur en
scène, représentés par ces sept jolies jeunes femmes n’en demeuraient pas moins
irritants avec leurs gémissements inconvenants. Elles ont envahi la scène
durant tout le spectacle en créant chez le spectateur une saturation
émotionnelle, celle qui empiétait sur le plaisir de voir Salomé danser.
Et puis Hérode… Ses plaintes gutturales et interminables ont fini par être
grotesques et son masque mortuaire dont la signification exacte nous échappe
encore, nous empêchait de saisir toute l’importance de son discours. Pauvre
Hérodias qui elle, s’est contentée d’un murmure, celui qui suppliait Hérodias
de ne pas approcher sa fille. Cette femme maquillée outrageusement n’a jamais
trouvé sa place durant tout le spectacle et le vide est devenu tout aussi
encombrant.
Mais surtout, comment concevoir ce drame biblique en quarante cinq
minutes ? Montre en main c’est le temps qu’aura duré ce spectacle
insignifiant et nécessairement insuffisant. On est alors soulagés de rentrer
chez soi pour se rappeler la beauté du texte de Wilde. »
Lou Ferreira
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